Litografía sobre aluminio.

Hemos hablado en otras ocasiones del grabado calcográfico o huecograbado.También del grabado en relieve - xilografías y linóleos - .

Este viernes hablaremos de una técnica planográfica derivada de la litografía:  la litografía sobre aluminio. Conoceremos los materiales. Y si da tiempo iniciaremos la confección de una plancha. En este taller nos estrenamos todos pues ésta no es una técnica especialmente trabajada por nosotros. Vamos a investigar en equipo y a descubrir las posibilidades de esta interesante técnica.

Continuará.

El gofrado y el collagraph.

El gofrado y el collagraph comparten características que hacen que muchas veces se confundan ambas técnicas.

El gofrado es al papel lo que el repujado al metal. Es decir, crea un relieve. También se llama estampación en seco ya que no existe el entintado. Enla realidad el gofrado siempre posee algún entintado pero en zonas muy reducidas. Porque si el entintado es más general nos encontramos delante de un collagraph.

"El objetivo principal de esta técnica es producir un relieve en el papelsoporte de la obra.Técnica aditiva. El artista crea una matriz añadiendo objetos, al modo del collage, queproduzca el relieve deseado. Los diferentes añadidos deben proceder de materiales duros" (http://es.slideshare.net/inesmartinmasa/gofrado).

Chillida, s/t 30/50, aguafuerte y gofrado,

El collagraph,

"El collagraph se considera una técnica aditiva, que consiste en la creación de una matriz a partir de elementos agregados a un soporte para generar un collage que se entinta e imprime.  Este procedimiento experimental fue inventado a mitades del siglo XX por Glen Alps y permite obtener interesantes efectos y texturas según la característica del material agregado, pudiéndose entintar en hueco, en relieve o en simultáneo." (más).

Mosaico de impresiones: texturas hechas con redes,
 hilos, cuerdas, improntas s/ material acrílico fresco, etc

Podemos decir que el gofrado es un collagraph sin entintado o que el collagraph es un gofrado entintado.

Grabado y caligrafía.

Habréis oído hablar seguramente de la propedéutica. La propedéutica trata de las cosas que viene bien saber hacer como preparación para alguna actividad. O las cosas que es necesario conocer como preparación para otros estudios.

Este blog trata de la propedéutica del grabado. Es decir, de aquellas cosas que son necesarias o que son de mucha utilidad para la realización del grabado. La propedéutica trata en general de cosas que aparentemente no tienen mucha relación con el objetivo final del estudio o de la actividad. Los ciclistas se entrenan no sólo encima de la bicicleta sino en la piscina y en el gimnasio. Nosotros vamos a entrenarnos para grabar las planchas haciendo caligrafía. Y a ello nos ponemos en este Taller de Divulgación del Grabado.

Vamos a seguir el texto de La Calligraphie,  de Petra Kästner-Henn, editorial Vemag (www.vemag-medien.de) que me parece excelente.

¿Qué os parece conocer algo de la historia de la escritura y de la caligrafía? El texto de Petra Kästner nos habla de la historia de la caligrafía occidental, árabe y china.

Más adelante trata de los instrumentos de trabajo y cómo fabricarlos. Las tintas. La organización del espacio de trabajo.

También muestra una amplia gama de letras y cómo ejecutarlas.

Creo que es un texto para todo un curso de caligrafía, pero como siempre aquí, durante una tarde, mostramos el camino y cómo iniciarlo. Cada cual podrá más adelante, según sus gustos, desarrollar más o menos el tema. Profundizar en la bellísima caligrafía árabe o china, etc. etc.

A este taller teórico seguirá uno o más talleres prácticos. Confeccionaremos los instrumentos, plumas, etc. y haremos algunas prácticas de caligrafía.

El grabado japonés (IV) los períodos Edo, Kano, Meiji.

Pasamos a un breve estudio del contexto histórico en el que se movían los artistas japoneses.

El grabado japonés (III) : el ehon.

El grabado japonés (II) : moku-hanga

El grabado y la política (I)

"La política es una solución a un problema de convivencia humana. Una solución necesaria, sin duda. Pero no perdamos de vista que es una solución a un problema. En el supuesto imposible en nuestra sociedad occidental de ausencia de problema no necesitaríamos de la política. En otras sociedades más primitivas no es necesaria la política. Esta afirmación no es gratuita : las nuevas tecnologías de la información pueden convertir - paradójicamente - en primitiva nuestra sociedad postmoderna. Precisamente la característica fundamental de las sociedades primitivas no necesitadas de política es la perfección y la rigidez de sus canales comunicativos. Todo esto sólo como propedéutica de lo que ahora viene : el arte sólo necesita de la política en función de sus problemas derivados de la convivencia humana. No nos confundamos. No es necesario desprestigiar la mierda. La mierda es un componente fundamental del metabolismo humano y animal y un abono excelente. Pero tampoco creo que haya que ensalzar la necesidad de su existencia al lado del arte y de la belleza." (xiscobernal)

El grabado y la política.


"En su origen, el grabado estaba destinado a divulgar una información gráfica, era la manera de explicar o reproducir una historia, o sea una herramienta de comunicación. Con esta finalidad, tenía que mantenerse como un instrumento auxiliar y no como una proposición con voz propia. De hecho, hasta que en las postrimerías del siglo XIX no se perfeccionaron y difundieron las técnicas de reproducción fotomecánica, el grabado no se libró de la servidumbre utilitaria de divulgar la imagen, de ser mensajero de una historia, y por este motivo no pudo iniciar su camino como lenguaje artístico. No fue, pues, hasta el siglo XVIII cuando se empezó a concebir el grabado como pieza original y hasta llegado el siglo XIX los artistas no produjeron ediciones limitadas y las firmaron." (1)


En occidente creo que podemos afirmar que el primer intento de utilizar ideológicamente la imágen estampada procede de la época de la Reforma y la Contrarreforma.


“El humanismo preparó el camino de la Reforma, ofreciendo una solución a la insatisfacción que existía respecto a la Iglesia, con su propuesta de acercarse a la Biblia y practicar una religión interior.
La crisis de la Reforma protestante afectó a las representaciones religiosas, se produjeron episodios iconoclastas y progresivamente fueron desapareciendo las imágenes religiosas destinadas al culto en las iglesias. Se produce un cambio en la función de la obra de arte y del interés por los aspectos estéticos y formales. Se busca la claridad en el mensaje, que sea perfectamente comprendido, es decir convertir las imágenes en palabras.”(2).


Las imágenes siempre se han utilizado como mensajeras de una u otra ideología. Esta utilización de la imágen ha perseguido objetivos didácticos de gran utilidad social pero también ha perseguido la manipulación mental con fines de dominación política. Pero estamos hablando del grabado. Es decir del siglo XIV para acá. En este sentido comenzamos con las Reformas mencionadas y continuamos con el esfuerzo divulgativo de las monarquías absolutas europeas qu ven debilitada su posición de poder a causa del humanismo renacentista.


“Maximiliano I realizó una importante labor para conseguir una representación plástica adecuada del poder político. Tanto Alberto Durero como sus seguidores realizaron obras en las que había un claro interés propagandístico por parte del Emperador.” (2)


En la monarquía española también tenemos un buen ejemplo de propaganda política mediante la estampación de las imágenes. Y más que un buen ejemplo, un excelente ejemplo ya que se trata de una operación propagandística de largo alcance que se inicia con la divulgación de los hallazgos en Pompeya, Herculano y Estabia y culmina en el neoclasicismo.

He realizado un estudio pormenorizado del proceso en el ensayo “Neoclasicismo”. En mi ensayo presento la hipótesis de trabajo de que el cerebro de esta operación mediática que se inicia con Li Antichità di Ercolano Esposte, 1767, Real Academia, Nápoles. (NOTA1) no fue otro que el de Isabel de Farnesio,  - segunda esposa de Felipe V y madre de Carlos III -, en mi modesto entender una de las mayores estrategas que las monarquías europeas han tenido jamás (NOTA2).


Hasta ahora hemos estado hablando de la utilización de la estampa por el poder político y el poder religioso. A partir de la democratización de las sociedades europeas se produce simultáneamente una democratización de los medios de difusión. En los paises con más tradición democrática y parlamentaria se observa una mayor difusión del grabado. Esto se debe a que este importantísimo medio de comunicación de masas no estaba controlado por un poder absoluto como ocurría en otros países como el nuestro. En nuestro país, el ahora ensalzado - y muy justamente -, Francisco de Goya y Lucientes no vendió ni un sólo grabado. Evidentemente la mal llamada Ilustración - mejor llamarla Despotismo Ilustrado - no favorecía la difusión de las estampas que no fueran de cariz religioso.

La utilización política de la estampa en los siglos XI, XX, y XXI será objeto de un nuevo blog Grabado y Política (II) .

NOTA1.-


“The Le Antichità di Ercolano Esposte (Antiquities of Herculaneum Exposed) is an eight-volume book of engravings of the findings from excavating the ruins of Herculaneum in the Kingdom of Naples (now Italy). It was published between 1757 and 1792, and copies were given to selected recipients across Europe. The engravings are high quality and the accompanying text displays great scholarship, but the book lacks the information on context that would be expected of a modern archaeological work. Le Antichità was designed more to impress readers with the quality of the objects in the King of Naples' collection than to be used in research. The book gave impetus to the neoclassical movement in Europe by giving artists and decorators access to a huge store of Hellenistic motifs.” (3).


NOTA2.-


“Mujer de gran belleza, pese a las marcas que tenía en su cara, fruto de unas viruelas infantiles, poseía un cuerpo esbelto y atractivo, al tiempo que era acreedora de un fuerte carácter y una personalidad autoritaria que le otorgó una gran influencia en la corte de la época. (…) Mientras el monarca caía en depresiones que lo sumían en una melancolía y desconsuelo (…) Isabel utilizaba todas sus influencias en pos de sus ambiciones personales para colocar a sus amados hijos en los tronos de Europa.” (4)


Bibliografía.-


1.- http://www.gelonchviladegut.com/maestros-del-grabado-internacional/
2- http://www.educathyssen.org/fileadmin/plantilla/recursos/Secuencias/Guia_Durero_Cranach.pdf
3.- http://en.wikipedia.org/wiki/Le_Antichit%C3%A0_di_Ercolano
4.- http://es.wikipedia.org/wiki/Isabel_de_Farnesio

5.-

Los mejores vídeos sobre el grabado.

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Grabado al sol.

Se acerca el verano y todos nos ponemos a hablar del sol. En el grabado también hablamos del sol. Vamos a hablar del grabado por insolación, grabado en placa solar o heliograbado - solarplate -  Esta técnica tiene un encanto especial.

Sin duda la colaboración de la naturaleza siempre tiene un encanto especial. En el caso que nos ocupa el grabador deja que la luz del sol haga el trabajo. de modificar la superficie de la plancha. Recuerdo una feria del caballo en Inca (Mallorca) cuando el agua de la lluvia colaboró con mis aguadas. La colaboración con la belleza de la naturaleza es, sin duda, muy gratificante.

A continuación una selección de textos nos ayudará a comprender esta técnica. A diferencia de otras técnicas en el heliograbado no he encontrado ningún vídeo interesante.

Aunque con un objetivo comercial la referencia siguiente puede ser de utilidad :

Dibujo_01

"Printmaking with SOLARPLATE is a simple approach and safer alternative to traditional etching and relief printing. SOLARPLATE is a prepared, light-sensitive polymer surface on a steel backing for artists to produce fine prints. Since Dan Welden's development of the process in the 1970s, printmakers, painters, photographers, and art teachers interested in multiple impressions have found printmaking with SOLARPLATE an exciting adventure. All one needs is inspiration, a graphic image created on a transparent film (acetate or glass), sun or UV light, and ordinary tap water, and the process is ready to begin. Both positives and negatives can be utilized; intaglio and relief printing techniques can be applied.

Universities and art schools all over the world are using SOLARPLATE as part of their curriculum. The simple, spontaneous approach also makes it faster and more economical for use in professional printmaking workshops and collaborations with artists. Educators are replacing traditional acid techniques with SOLARPLATE due to safety regulations. Being photographic in nature, SOLARPLATE incorporates a broader range of techniques than any other printing medium. " (Solarplate).

Como se puede ver en el dibujo_01, el sandwich para hacer un grabado por insolación - según el método solarplate - consta, por orden de colocación, de un cristal, la transparencia con el dibujo, la plancha fotosensible, un fieltro y un soporte rígido, normalmente de madera.

"SOLARPLATE is a steel backed polymer printing plate used by artists who draw, paint, make marks or use photography. The process was developed in 1970-71 by Dan Welden, Master and pioneer of ‘safer’ printmaking techniques, after which he co-authored “Printmaking in the Sun” with Australian artist Pauline Muir." (Barbara Mason)

La reproducción del dibujo en la estampa es fotográfica como os podeis imaginar. Más fidelidad al dibujo imposible. Lo cual constituye una ventaja importante, desde ese punto de vista. De hecho el heliograbado y la fotografía nacieron juntos allá por el año 1826 de la mano de Niepce. Cierto, se puede añadir que la fotografía nación mucho antes. En pleno Renacimiento numerosos pintores utilizaban la cámara lúcida para obtener las imágenes fotográficas que representarían en sus lienzos. Yo creo que se puede decir que la fotografía nació entonces. Si me permitís - ya conoceis mi tendencia teleológica - se puede decir que la fotografía nació cuando se descubrió que cada mirada podía tener su propia perspectiva. Es decir, cuando renació la libertad de la mirada y la crítica del dogmatismo de la Iglesia Romana y el Absolutismo Monárquico.

Muy  interesante también es el estudio del grabador y especialista en  Luis Hernández sobre el heliograbado. A continuación escogemos algunos párrafos de su excelente estudio. Podremos contar con su presencia virtual en el taller que se realiza a partir de este blog el viernes 08.05.2015.

"Entre las técnicas y procesos más destacados de esta familia debemos hablar, necesariamente, del Heliograbado, definido como procedimiento por el que se obtienen grabados en relieve mediante la acción de la luz solar sobre planchas preparadas para ello.

En 1826 Niepce utilizó el término Heliograbado para denominar su proceso de reciente invención que, posteriormente, fue conocido como fotografía. Este término fue substituido en 1839 por el término daguerrotipo, aun cuando el término fotografía era conocido ya en 1836. Al principio tenía un significado más general y no fue hasta 1839 que llegó a ser sinónimo con el proceso de reproducción con el que ahora se asocia.

Por otra parte Heliograbado es también el término usado para denotar un proceso del grabado en el cual la imagen es obtenida por medios fotográficos. La palabra en sí mismo fue acuñada por Niepce, que hizo el primer heliograbado en 1827; (esta pieza consistió en un retrato del cardenal de Amboise). Él hizo varias impresiones de esta primera tentativa en la reproducción fotográfica.

Heliografía del Cardenal George D´Amboise, realizada por Niépce en 1826.
Museo de Ciencias de Londres.
A la izquierda el grabado original realizado por Isaac Briot ca.1650 (Colección Van Deren Coke) En esta comparativa puede apreciarse la diferencia entre la heliografía y el grabado calcográfico.

La técnica de Niepce consistía en la preparación de una plancha de cobre amarillo con asfalto, que tiene la característica de convertirse en blanca e insoluble cuando está expuesta a la luz (obviamente la preparación tenía que ser hecha en un cuarto oscuro). La plancha después era expuesta o cubierta con una imagen cuyas zonas negras no permitirían que ninguna luz traspasara a través. Las áreas expuestas se convertían de ese modo en insolubles, mientras que las áreas oscuras se podrían disolver fácilmente con aceite, proceso directamente vinculado a las prácticas habituales de procesos de levantado o decapado del barniz mediante, por ejemplo, el aceite de lavanda, procedimiento vigente hoy día en la manipulación calcográfica.

Tras esto debía grabarse la plancha mediante ácidos. Así, el Heliograbado fue uno de los primeros procesos fotográficos, y también el primer proceso fotoquímico del grabado (fotograbado).  " (Luis Hernández)

"La matrice d’une héliogravure se réalise moyennant le transfert, sur une plaque de cuivre, de la couche de gélatine d’une feuille de papier charbon exposée à la lumière au-dessous d’un clichépositif. Après avoir éliminé à l’eau chaude la gélatine non endurcie par la lumière, il restera sur la plaque un relief de gélatine –la réserve– où on pourra voir le négatif de l’image ; dans ce relief les zones les plus minces se correspondent avec les tons les plus obscurs du cliché. Une fois que la gélatine s’est séchée, on protège les bords et le verso de la plaque et on fait la morsure dans leperchlorure. Le mordant pénètre dans la gélatine, en la gonflant, et il atteint la surface du métal graduellement : d’abord dans ces zones-là où la couche est plus mince et après dans celles-là où elle est plus épaisse. De cette façon on produit différents temps de morsure et, en conséquence, des creux de différentes profondeurs dans le cuivre, ce qui se traduira dans les différents tons de l’estampe. L’encrage et l’impression se font à la main selon les processus habituels de la gravure chalcographique." (Luis Hernández)

Papel carbón para heliograbado. (Autotype G 35).

Como vemos esta técnica es doblemente interesante pues a las técnicas propias del grabado calcográfico se añaden las técnicas propias de la fotografía.

Independientememte de la bibliografía citada a lo largo del blog puede ser interesante hechar un vistazo al texto :

Herbert Davison, 1923, A treatise on photogravure.

Creo que es un texto antiguo pero interesante si tienes la suerte de poder leer en inglés..

Como se ha visto exiten dos formas fundamentales de abordar el heliograbado : con o sin recurrir al ácido. En el siguiente vídeo vemos cómo se procede en caso de no recurrir al ácido - normalmene percloruro férrico sobre plancha de cobre - .En ese vídeo se usa el sistema SOLARPLATE antes mencionado.

Espero que resulte interesante.

En conjunto podemos resumir que el grabado heliográfico se acerca más a las técnicas fotográficas de reproducción de la imágen que al tradicional grabado calcográfico.

Hoy nuestro artista invitado ha sido Luis Hernández. Como habéis visto el texto está repleto de citas suyas. Su tesis "El heliograbado por el procedimiento Talbot-Klic" lo convierte en un especialista único a nivel europeo - en España es el único heliograbador por este método - y a nivel mundial.

En videoconferencia Skype tuvimos este viernes 08.05.2015 ocasión de hablar personalmente con él. Muy amablemente respondió a nuestras preguntas y aclaró aspectos importantes de ésta técnica. Actualmente reside en Nantes.

El grabado contemporáneo (I)

Como siempre el contenido de este blog es una propuesta que lo mejor que puede ocurrir es que se quede como tal y sean los participantes los que vayan creando los contenidos del taller con sus propios intereses y preguntas.
Y eso es lo que ha ocurrido otra vez y de lo cual me felicito.

Esta vez ha sido la obra, la sabiduría el afecto y la voz de Esmeralda Gracía Ases, artista, grabadora, cantante y amiga la que nos ha hablado de su obra y del grabado contemporáneo. De momento aquí tenemos su voz. Pronto tendremos algunas muestras de su obra gráfica y de su afecto. Digo de su afecto pues toda su obra como la de los grandes del arte es fruto del amor y de la pasión. Pasión y amor por la vida, por los amigos, por todos lo que hemos tenido la suerte de compartir y cruzarnos alguna vez con el brillo azul de su mirada. Y hemos quedado seducidos. Y nos hemos sentido queridos.

Vivir from Esmeralda García Ases on Vimeo.

También otra gran artista y grabadora Lola Tudela, propietaria del Taller de Grabado nos ha obsequiado este viernes con presencia y comentarios sobre el grabado contemporáneo. Han sido comentarios muy interesantes sobre su obra Volutiforme I. Nos ha explicado como realizó el collagraph, la extraordinaria calidad del papel soporte. Esmeralda y Lola nos explicaron en qué consiste el engofrado y las enormes posibilidades y la libertad de creación que proporciona.

Taller de Divulgación del Grabado, 24.04.2015.
Lola Tudela nos explica cómo realizó el grabado VOLUTIFORME II, que se observa enmarcado en el centro.

Esmeralda también nos habló de otras artistas importantes con las que completar el abanico de los artistas contemporáneos : Ana Juan, Camila Parra, fotógrafa, y la muy conocida y admirada Carmen Calvo.

Enamorado, alquilado hasta agosto, Carmen Calvo, 2010.

Y este es el texto del blog que tenía preparado como propuesta.

Cómo no podía ser de otra manera le ha llegado el momento al grabado contemporáneo. Así pondremos a la técnica más antigua al servicio del arte más actual. No sé que os parecerá mi criterio de selección. He escrito "Grabado contemporáneo" en distintos buscadores y he escogido aleatoriamente los primeros y los últimos. Los he escogido independientemente de mis preferencias personales. Espero que el intenso olor a maría que entra por el balcón acompañando al aire fresco del barrio del Carmen de Valencia no me altere demasiado mis facultades.

Y este ha sido el resultado :

Wenceslao Robles, artista sevillano, desarrolla un grabado de carácter postindustrial y de reivindicación social de una vuelta a una concepcion más Rousseau de la sociedad. Grabado técnicamente muy bueno. Como él mismo afirma su grabado es una huida de lo orgánico, aunque yo afirmaria lo contrario, que es una añoranza de lo orgánico roussoniano.

Coche 1, aguafuerte y aguatinta, Wenceslao Robles.

José Hernández, nacido en Tánger, realiza en Madrid - enchufado del Instituto Cervantes -  la mayor parte de su obra. José Hernández es un ejemplo de lo que llamo más adelante artista contemporáneo en contraposición a artista de Arte Contemporáneo. José Hernández es un artista contemporáneo que no hace arte contemporáneo.

Ángel caído, 1994, aguafuerte, José Hernández.

Jan Hendrix, nace en Maasbree, Holanda.

Árboles, aguafuerte, Jim Hendrix.

Y acabamos este breve paseo por el grabado contemporáneo por la selección de artistas que realiza CAIXAFORUM para su exposición Signo, espacio y tiempo.

"Un total de 42 grabados de, entre otros, Antoni Tàpies, Robert Motherwell, Eduardo Chillida, Edward Ruscha y Jaume Plensa, forman el recorrido por el grabado contemporáneo que CaixaForum ha reunido en una exposición, bajo el título "Signo, espacio, tiempo".

Si da tiempo haremos un repaso internauta a las obras de estos importantes artistas

Sin embargo, si me hubiera dejado llevar por mis preferencias personales habría empezado, sin embargo, de otra forma :

Como todo lo que llamamos arte contemporáneo, el grabado contemporáneo es un arte en el que cabe todo. O más exactamente en el que caben todos. Todo es arte. Todos somos artistas. Eso es estupendo sino fuera porque es absolutamente falso.

Como siempre ocurre lo más más democrático es lo más antidemocrático y lo más demagógico. A la gente le agrada oir que el arte contemporáneo es un arte sin restricciones en el que todo vale. Pero eso agradable al oído repugna a la mente.

En el arte, como en la vida, no vale todo. Hay cosas que valen y otras que no valen. Pero si lo mezclamos todo y después sale alguien muy importante en la tele para decirnos que este es bueno y aquel malo, el resultado es lo que nosotros entendemos por Arte Contemporáneo.

Primero te hacen perder el juicio. No sabemos distinguir en el arte - ni en nada - lo bueno de lo malo. Después te dicen lo que es bueno. Y ahí queda la cosa. Por eso yo no dedicaría ni una línea al Arte Contemporáneo si no fuera porque yo voy a votar en las elecciones. Aunque mi voto sea un voto en blanco.

Yo no creo en el llamado Arte Contemporáneo. Yo creo en el arte que hacen mis contemporáneos. Y en justo reconocimiento a ese arte que hacen mis contemporáneos he realizado este blog.

El papel

Este viernes vamos a comentar sobre el papel. El papel es el soporte sobre el que se produce la estampación. Su importancia por tanto es muy importante para la realización de un grabado.






Artista invitado : Francisco I, rey de Francia.

Haciéndonos eco de la exposición que tiene lugar en estas fechas en la Biblioteca Nacional de Francia sobre Francisco I titulada "Francisco I, poder e imágen". También es esta referencia a Francisco I mi homenaje personal al rey que dió alojamiento al maestro de maestros de las artes y las ciencias Leonardo da Vinci en el castillo de Clos-Lucé. Este castillo forma parte del monumental y bellísimo castillo de Amboise al que está unido por un paso subterráneo. Leonardo murió en brazos de Francisco I el día 2 de mayo de 1519 a los 67 años. 

El grabado japonés (I) : El ukiyo-e.

Ukiyo-e quire decir "imágenes de un mundo flotante" o "estampa de la vida que fluye". Dejando aparte las coincidencias semánticas de la traducción entre dos culturas con tan pocos puntos en común vamos a intentar, antes que nada, acercarnos al significado del mundo flotante o la vida que fluye para un japonés. ¿Qué significa un mundo flotante/vida que fluye para un japonés del floreciente Periodo Edo (1603-1867)? Imágenes de un mundo flotante. Imágenes de bellas mujeres. Imágenes de actores del kabuki. Imágenes de la lucha sumo. Imágenes del sintoísmo. Imágenes de la vida que fluye.

La estampa japonesa debe gran parte de su fama al ukiyo-e, aunque su historia arranca mucho má allà.

No estoy de acuerdo con Amaury García Rodríguez en el sentido de que las imágenes del ukiyo-e representan la cotidianeidad. Lo cotidiano creo que nunca puede ser el mundo flotante. Sin embargo, mi crítica no deja de ser arriesgada puesto que aún no tengo una definición convincente del significado de "mundo flotante". Mejor relaciono el mundo flotante con los placeres de la prostitución - las bellas mujeres son Geishas, los actores kabuki son prostitutos - unido a los placeres espirituales del sumo sintoísta, dentro del sincretismo que caracteriza la cultura japonesa.

Katsushika Hokusai,1830, Kajikazawa in Kai Province (Kôshû Kalikazawa).

Daniela Andrade se acerca un poco más a mi opinión sobre el mundo flotante: habla del "mundo de la distracción".

Katsusika Hokusai es nuestro personaje invitado de esta semana. Se trata del autor de ukiyo-e más conocido en occidente. Entre sus obras más conocidas destacan las de ambiente marino.

"A mediados del s. XIX sus grabados, así como los de otros artistas japoneses, llegaron a Paris. Allí eran coleccionados, especialmente por parte de artistas  impresionistas de l atalla de Vincent Van Gogh, Claude Monet, Edgar Degas y Henri Toulouse-Lautrec, cuya obra denota una profunda influencia de los grabados mencionados (wiki).

 El historiador Richar Douglas Lane ha escrito en Images from the floating World, The Japonese Print.

K: Hokusai, 1830-1833, La gran ola de Kanagawa.

"The Japanese art of Ukiyo-e developed in the city of Edo (now Tokyo) during the Tokugawa or Edo Period (1615-1868). These two names refer to the relatively peaceful 250 years during which the Tokugawa shoguns ruled Japan and made Edo the shogunal seat of power.


The social hierarchy of the day, officially established by shogun rulers, placed the merchants, the wealthiest segment of the population, at the lower end of the scale. With their political power effectively removed, the merchant class turned to art and culture as arenas in which they could participate on an equal basis with the elite upper classes (warriors, farmers, and artisans). It was the collaboration among the merchants, artists, publishers, and townspeople of Edo that gave Ukiyo-e its unique voice. In turn, Ukiyo-e provided these groups with a means of attaining cultural status outside the sanctioned realms of shogunate, temple, and court.


Although Ukiyo-e was initially considered "low" art, by and for the non-elite classes, its artistic and technical caliber is consistently remarkable. Reading the images demands an extremely high level of visual, textual, and cultural literacy. From its earliest days, Ukiyo-e images and texts frequently referred to themes from classical, literary, and historical sources. At the same time, Ukiyo-e constantly expanded to reflect contemporary tastes, concerns, and innovations over the two and a half centuries of its development. The result was an art that was both populist (of and for the people, readily accessible, plentiful, affordable) and highly sophisticated. In summary, Ukiyo-e presented both the historical and all that was current, fashionable, chic, and popular. In the hands of the Ukiyo-e artist, the ordinary was transformed into the extraordinary." (see bellow exhibition).

http://www.loc.gov/exhibits/ukiyo-e/intro.html

Otros importantes personajes dentro del ukiyo-e son:

Yoshida Hanbei :

Yoshida Hanbei, 唐人抓耳図, Ritsumeikan University.

Hishikawa Morobonu:

Hishikawa Morobonu, Koshoku ito Ynagi, British Museum

Sugimura Jihei :

Hishikawa Morofusa :

Hishikawa Morofusa, 1686, Amantes.

Torii Kiyobonu :

Torii Kiyobonu, 1710, Holding up both legs, Honolulu Museum of Art.

Como se ve la mayoría de las xilografías representan escenas del llamado shunga art que las barrerras de carácter ético ha aislado de Occidente.

También el moku-hanga constituye una técnica japonesa ampliamente difundida en occidente - con este software puedes transformar tu foto en un grabado moku-hanga -. Del moku-hanga hablaremos otro viernes.

Bibliografía.-

Katherine L. Blood, James Douglas Farquhar, Sandy Kita and Lawrence E. Marceau. The Floating World of Ukiyo-e: Shadows, Dreams, and Substance. New York: Harry N. Abrams, in Association with the Library of Congress, 2001.
David Chibbett. The History of Printing and Book Illustration. Tokyo and New York: Kodansha International, 1977
Jack Ronald Hillier. The Art of the Japanese Book. London: Sotheby's Publications, 1987
Jack Ronald Hillier. The Japanese Picture Book. New York: Abrams, 1991
Sandy Kita, with contributions by Linda Batis, et al. A Hidden Treasure : Japanese Prints from the Carnegie Museum of Art. Pittsburgh: 1996
Tadashi Kobayashi. Translated by Mark A. Harbison. Ukiyo-e: An Introduction to Japanese Woodblock Prints. Tokyo, New York, London: Kodansha International, 1997
Peter Kornicki. The Book in Japan: A Cultural History from the Beginning of the Nineteenth Century. Leiden, Boston and Cologne: Brill, 1998
Richard Lane. Images from the Floating World: The Japanese Print. New York: G.P Putnam's Sons, 1978
Nishiyama Matsunosuke. Translated by Gerald Groemer. Edo Culture: Daily Life and Diversions in Urban Japan, 1600-1868. Honolulu: University of Hawaii Press, 1997
Julia Meech and Gabriel P. Weisberg. Japonisme Comes to America: The Japanese Impact on the Graphic Arts, 1872-1925. New York: Abrams, 1990
Narazaki Muneshige. English adaptation by C.H. Mitchell. The Japanese Print: Its Evolution and Essence. Tokyo and Palo Alto: Kodansha International, 1966

Mya Thanda Poe, ed. Library of Congress Asian Collections: An Illustrated Guide. Washington, D.C.: Library of Congress, 2000

La conservación del grabado.

Este viernes comentamos sobre la conservación del grabado.

Muchos de los problemas de la conservación y restauración del grabado son muy similares a los de la conservación y restauración del papel y del libro en general.

La luz, las diferencias de temperatura, las humedades, la falta de ventilación , la manipulación incorrecta, etc se asocian por igual a la conservación del libro y del grabado. Y ello es muy lógico pues el papel es un componente fundamental de ambos.

"Las estampas suelen ser muy sensibles a la luz, a los factores ambientales y a una manipulación inapropiada" (Mª del Mar Bernal)

Las manchas en el papel son uno de los problemas más frecuentes. Las manchas pueden deberse a la oxidación de elementos metálicos en conacto con el papel. También pueden deberse al deterioro de las colas usadas para ensamblar los diferentes papeles para el enmarcado.

La humedad acelera la oxidación del papel (más). 

El polvo favorece la acumlación de humedad y la aparición de microorganismos.

"Mucha temperatura deshidrata, deseca, endurece las colas, contrae el papel y lo deforma agrietándolo, provocando un desprendimiento en escamas. 

La baja temperatura reblandece las colas, hincha y dilata provocando el corrimiento de tintas y pigmentos. 

También la mala tinta, la compuesta de aceites minerales, resinas y hulla con secativos rápidos oxida y corroe el papel. 

Y, no digamos los fabricados a base de madera, que al contener alta concentración de lignina lo deterioran debido a su acidez. 

Por eso es recomendable un sitio seco y fresco para su almacenamiento que, según los expertos, podría variar entre el 45 y el 55% de humedad y los 18 a 21ºC de temperatura." (PULPNIVORIA).

Los problemas derivados de la acidez del papel.- 

Como todos sabemos el papel actualmente no está formado por desechos de trapos y algodón como antiguamente sino que se fabrica directamente de residuos de madera. La lignina de la madera es, pues, actualmente, uno de los componentes básicos del papel. La lignina es una factor importante de acidificación del papel.

Por todo ello es fundamental que el artista grabador adquiera papel de calidad para sus trabajos.

Bibliografía.-

Técnicas del grabado, Blog realizado por Mª del Mar Bernal.

PULPNIVORIA, Blog sobre el cómic.

Eva Pascual, Conservar y restaurar PAPEL, Parramón, BCN.

Josef Von Karabacek, Papel árabe, Ediciones Trea, Gijón, Asturias.

Los ácidos en el grabado.

Xilografía

Una de las técnicas más antiguas del grabado es la xilografía. Coger un taco de madera te permitirá sentir la emoción antropológica de realizar algo de la misma manera que nuestros antepasados de hace 500 años en Europa y bastante más en China.

Como ya vimos en "Diferencias entre el grabado en relieve y el huecograbado", el grabado xilográfico imprime las partes que sobresalen y dejan en blanco las partes rebajadas. Los primeros libros en China, Japón e India fueron impresos mediante esta técnica.

Nuestras herramientas de trabajo xilográfico para vaciar el bloque de madera o de linóleo.

La xilografía, wood engraving, block printing, woodcut o xylography en inglés,

"Block Printing is one of the oldest types of printmaking, and has been around for thousands of years.  There is evidence that it existed as early as the fifth century BC, with actual fragments found from as early as the fifteenth century.  It has been done around the world, with roots in India, China and Japan." (Más).


Seguimos en inglés con un interesante vídeo sobre la xilografía

El grabado japonés es nuestro invitado, como no podía ser de otra manera, hablando de xilografía, pues mediante esta técnica se hicieron las principales estampas en Japón. Inmediatamente nos viene a la memoria el ukiyo-e.

Artistas xilógrafos:

Paul Landacre del que mostramos un precioso desnudo

Anna, 1938, wood engraving by Paul Landacre.

O Lynd Ward, también norteamericano pero iconográficamente más idealizado como artista que Paul

God's Man, 1929 by Lynd Ward.

(continuará)

Introducción

Introducción al grabado. Ideas generales.

Las técnicas

(continuará)

Grabado en relieve&Huecograbado

Este viernes comentamos sobre las diferencias entre el grabado en relieve y el huecograbado o grabado calcográfico.

 El grabado en relieve tiene sus orígenes en la tipografía. Es decir los tipos de la antigua imprenta. El huecograbado por el contrario proviene de los orfebres medievales florentinos. Un Tomasso florentino empezó a guardar sus diseños rellenando de tinta los surcos en la joya y imprimiendo en papel el diseño. Sólo pretendía crear un inventario de sus diseños. Pero inventó, sin saberlo, el huecograbado. Los pintores que abundaban en Florencia rápidamente se dieron cuenta de las nuevas posibilidades de la invención. La incisión, no ya en una joya, sino simplemente en un plancha, creó los primeros grabados.

La extensión de la imprensión al grabado en relieve recorre un camino más sencillo y directo.

El orfebre florentino estampó la tinta que se alojaba en la incisión mientras que el grabado en relieve recogió el testigo y la tinta de la superficie de los tipos de imprenta.

Nos podíamos extender sobre las diferentes técnicas del grabado en relieve y calcográfico pero es lo dejaremos para más adelante. Hoy nos detendremos sólo en captar las diferencias entre las dos formas de trabajar la matriz.

Podemos empezar por las diferencias más evidentes, es decir, la que nos da la imagen estampada. Es fácil darse cuenta de que los grabados en relieve tienen una contundencia mayor que los huecograbados. Con contundencia quiero decir ausencia de sutileza y de matices. No significa que sea un grabado burdo o vasto. No es eso. Quiero decir que esta técnica de grabado se presta mejor que otras a la realización de mensajes que pretenden tener un impacto fuerte y directo. Esto se comprenderá mejor si ponemos un ejemplo. Los grabados propagandísticos de corte político, militar o social encontraran sus imágenes más adecuadas utilizando el grabado en relieve. Por el contrario, los grabados de carácter paisajístico o erótico podrán obtener más matices y sutileza con las técnicas calcográficas.

Hemos visto las diferencias en cuanto al resultado de la estampación. Pero también hay diferencias importantes en cuanto al proceso. Las más importante es que el grabado en relieve no necesita prensa, ni tórculo, ni nada parecido. La presión sobre la matriz se puede realizar de cualquier manera. Desde la mano a una piedra o un rodillo de cocina.

Otra diferencia importante es la que se refiere a su evolución en el tiempo, es decir a su historia. El grabado en relieve es más antiguo y popular que el calcográfico o huecograbado. De la palabra alemana que significa cavar proviene el nombre de grabado. Y es fácil comprender que los primeros grabados se hicieron 'cavando' - con cuchillos, buriles, gubias y los instrumentos más variados - . Y también sobre los materiales más diversos. Como prueba de ello os propongo hacer un grabado en relieve utilizando como matriz una patata partida por la mitad.

El personaje de la semana : José Ribera (1591-1652)

Muchos han oído hablar de grabadores importantes como Rembrandt y Durero. Pero pocos saben que José de Ribera, El Españoleto, fue un de los grabadores más importantes de su época. Rembrandt, en cambio lo sabía y conocía bien sus  grabados.

José de Ribera es bien conocido,sin embargo por su pintura. Especialmente es conocido el tópico sobre la sangre que se derrama en sus lienzos - se dijo que empapaba el pincel en la sangre de los santos - . Yo tengo un breve ensayo sobre este tema que hice a raíz de la visita a una exposición suya en el Museo del Prado. El fuerte claroscuro - tenebrismo -  tipo Caravaggio es sin embargo una de sus notas más características.

Aquí tenemos una muestra de su arte a través de un tema muy extendido en su tiempo : San Jerónimo y el Juicio Final.

San Jerónimo y el Ángel, Jusepe de Ribera, 1626, Museo di Capodimonte, Nápoles, (http://www.wga.hu/html_m/r/ribera/1/jerome_a.html) con lupa estupenda.

Y lo que nos interesa ahora : la versión en grabado, magníficamente comentada por Melanie Heineman del The Knox College Library (Illinois,USA) (en inglés).

San Jerónimo y el Ángel, grabado de Jusepe de Ribera, 1621.

Interesante comparativa.

Punta Seca&Talla dulce

Este viernes comentamos sobre el gravado con buril o talla dulce y la punta seca. Existe algo de confusión entre estas dos técnicas que a pesar de su parecido inicial son absolutamente diferentes.

Las dos pertenecen a lo que se suele llamar grabado directo, es decir, el que se efectúa sobre la plancha por medios físico. Es decir, aquellos en los que la plancha no es mordida por ácidos sino sólo por la mano del hombre.

En la punta seca no se utiliza el buril sino un instrumento cuyo nombre aún no he conseguido averiguar que acaba en una fina punta. A menudo se confunde el nombre de la técnica con el del instrumento llamándose a los dos punta seca. Una característica fundamental de ésta técnica es la rebaba que produce al hacer la incisión. Esta rebaba provoca una estampación característica que la diferencia de todas las demás y crea un efecto único. Rembrandt la utiliza a menudo - también la talla dulce - . Durero no lo hace por las razones que expondremos más adelante.

Otra característica única de la punta seca es que las rebabas no permiten grandes tiradas. Más allá de las 40/50 estampaciones las rebabas pierden consistencia y desparecen. Se puede conseguir el acerado electrolítico de la plancha con lo que se suprime este inconveniente.

Lady Spring, por Marcus. Punta seca.

El trabajo con buril se llama talla dulce y su incisión no produce rebabas. Es un trabajo de una extraordinaria precisión y limpieza.

Este taller se complementa con un recuerdo a Aldo Manuncio y su Hypnerotomachia de Poliphilo. Obra interesantísima, - "el más hermoso libro escrito en el Renacimiento" (1,33) -  atribuída a Alberti, por sus grabados pero también por todo lo demás. Merce la pena detenerse un poco en esta obra renacenista para entender un poco mejor aquella importante época en la Historia del Arte.

El texto : "Los jardines del sueño : Polifilo y la mística del Renacimiento" nos ayudará a entenderlo.

Y sin duda la importancia del grabado como complemento imprescindible en el estudio del texto.

Bibliografía.-

1.- Kretzulesco-Quaranta, Emanuela, 2005, Los jardines del sueño : Polifilo y la mística del Renacimiento, Ed. Siruela, Madrid.